Autor-Archiv Lorenzo

Eine Basis in grundlegenden Maltechniken und -stilen zu haben, wird Ihnen drastisch helfen, wenn Sie Ihre künstlerische Reise mit Farbe beginnen. Im Wesentlichen bedeutet dies, dass Sie sich ein gewisses Wissen über Farbe, Ton, Pinselführung, Textur und Komposition aneignen müssen, um Ihre eigenen Meisterwerke mit Selbstvertrauen zu schaffen.

In diesem Beitrag stellen wir Ihnen sieben grundlegende Maltechniken vor, mit denen Sie in kürzester Zeit wie ein Profi malen können. Wenn Sie mehr wissen möchten, empfehlen wir Ihnen die besten Tutorials zum Zeichnen, um sicherzustellen, dass Sie die Grundlagen beherrschen. Und wenn Sie mehr über Kunst-Terminologie lernen wollen, dann lesen Sie unseren Artikel über gängige Kunstbegriffe.

01. Untermalung

Es ist wichtig, dass Sie bei der Verwendung von Öl- oder Acrylfarben nie von Weiß ausgehen. Erstellen Sie eine Untermalung in gebranntem Umbra oder einer Mischung aus gebranntem Siena und Phthaloblau, um Schatten und Werte festzulegen. Acrylfarben sind in diesem Stadium wahrscheinlich das beste Medium, da sie schnell trocknen und dauerhaft sind.

Arbeiten Sie die Farbe von dünn nach dick auf, besonders wenn Sie langsam trocknende Farben verwenden. Es ist unmöglich, auf einer schweren, nassen Farbe zu arbeiten. Arbeiten Sie sich auf die gleiche Weise zu den Lichtern vor und fügen Sie die hellste (und meist schwerere) Farbe am Ende hinzu. Halten Sie eine Rolle Küchentuch bereit, um Pinsel zu reinigen und überschüssige Farbe zu entfernen.

02. Ausblocken

Pinsel gibt es in vielen Formen und mit verschiedenen Fasertypen, die alle sehr unterschiedliche Ergebnisse liefern. Der Schlüssel ist, sie alle auszuprobieren, während Sie malen. Am vielseitigsten sind Pinsel aus einer Mischung aus Synthetik und Zobel – diese Pinsel können mit den meisten verschiedenen Farbtypen verwendet werden. Es gibt flache und runde Pinsel, und es zahlt sich aus, eine Auswahl von beiden zu haben. In unserem Leitfaden zur Auswahl des richtigen Pinsels finden Sie weitere Informationen.

Es ist nützlich, mit einer Reihe von Pinseln zu arbeiten. Für die meisten frühen Arbeiten sollten Sie größere, flachere und breitere Pinsel verwenden. Ein Filbert ist ein guter allgemeiner Pinsel zum Blockieren von Form und Farbe. Er hat eine doppelte Natur und kombiniert Aspekte von flachen und runden Pinseln, so dass er sowohl Details als auch größere Flächen abdecken kann. Verwenden Sie kleinere Pinsel dann erst am Ende des Malprozesses.

03. Aufbau von Textur

Nehmen Sie einen trockenen, flachen Pinsel, mit dem Sie Ihre Farbe verblenden und weiche Übergänge schaffen können. Vielleicht mögen Sie viel Textur und sehen gerne Pinselspuren in Ihrer eigenen Arbeit. Fast alles kann verwendet werden, um Ihrer Farbe Textur zu verleihen. Es gibt fertige Texturmedien, aber ich habe schon Gegenstände wie Eierschalen und Sand gesehen, die verwendet wurden, um ein Gemälde interessanter zu machen.

Ein Tipp ist, eine alte Zahnbürste zu verwenden, um Ihr Bild mit Farbe zu bespritzen. Dies kann bemerkenswert effektiv sein, um Rauschen und Körnung zu suggerieren.

04. Trockenes Pinseln

Dies ist eine Methode des Farbauftrags, die eine zuvor getrocknete Farbschicht nur teilweise bedeckt. Geben Sie sehr wenig Farbe auf Ihren Pinsel und tragen Sie sie mit sehr schnellen, gerichteten Strichen auf.

Diese Methode funktioniert in der Regel am besten, wenn Sie helle Farbe über dunkle Bereiche/getrocknete Farbe auftragen und eignet sich für die Darstellung von Fels- und Grasstrukturen.

05. Sgraffito

Das Entfernen von Farbe kann genauso wichtig sein wie das Auftragen. Sgraffito ist der Begriff, der verwendet wird, wenn Sie Farbe wegkratzen, während sie noch nass ist, um die Untermalung freizulegen. Es ist besonders nützlich bei der Darstellung von Kratzern, Haaren, Gräsern und dergleichen.

Sie können dafür fast jeden spitzen Gegenstand verwenden – versuchen Sie es mit Gummiformwerkzeugen oder dem Ende eines Pinsels.

06. Glasieren

Beim Lasieren wird eine Schicht transparenter Farbe über einen trockenen Teil des Gemäldes aufgetragen, um Schatten zu verstärken und Farben zu modulieren. Ein leichtes transparentes Blau über trockenem Gelb erzeugt natürlich Grün.

07. Malen mit Medien

Medien sind Flüssigkeiten, die der Farbe hinzugefügt werden können, um ihre Konsistenz, Trocknungszeit und Textur zu modulieren. Im Falle von Acrylfarben gibt es verschiedene Medien, die die Farbe matt oder glänzend machen. Ich neige jedoch dazu, das matte Medium hauptsächlich zum Versiegeln meines Papiers oder Kartons zu verwenden, damit die Farbe nicht eindringt.

Die Malerei war schon immer eines der ausdrucksstärksten Kunstmedien, das Künstlern erlaubt hat, mit verschiedenen Stilen und Techniken zu experimentieren, bis sie ihren eigenen einzigartigen künstlerischen Ausdruck gefunden haben. Alles begann in prähistorischen Zeiten, als die Menschen pigmentiertes Pulver verwendeten, um Szenen aus dem täglichen Leben auf Höhlenwänden zu skizzieren. Wir können sagen, dass diese frühen Künstler Medien und Techniken geschickt einsetzten, um ihre Kunstwerke bis heute zu erhalten.

Maltechniken und Malstile in der westlichen Zivilisation

Hier finden Sie verschiedene Malmittel chronologisch zu einer Zeitleiste angeordnet. Dies soll Ihnen helfen, die Entwicklung der Malerei im Laufe der Kunstgeschichte als Medium und als Kunstform zu verfolgen.

1. Enkaustik-Malerei

Unter diesem Begriff versteht man Gemälde, die heißes Bienenwachs als bindendes Material enthalten. Künstler trugen diese Enkaustik- oder Heißwachsmalerei auf eine Oberfläche (meist eine Holztafel) auf und erhitzten das Gemälde anschließend erneut, um eine glänzende Oberfläche zu erhalten. Einer der Vorteile dieser ursprünglich aus Griechenland stammenden Malerei ist ihre kurze Trocknungszeit. Außerdem kann sie nachbearbeitet und umgestaltet werden, so dass sie in eine Collage-Malerei oder eine andere Mixed-Media-Form passt. Abgesehen davon, dass dieses Kunstmedium sehr anpassungsfähig ist, ist es auch umweltfreundlich, dank des organischen Ursprungs des zusammenhängenden Materials. Viele mittelalterliche Ikonen sind perfekte Beispiele für Enkaustikmalerei.

2. Fresko-Malerei

Dies ist eine Malmethode, bei der die Farben nur mit Wasser und ohne zusätzliche Bindemittel gemischt werden. Diese Eigenschaft machte sie perfekt für die Verkleidung von verputzten Wänden, da die Farbpigmente beim Trocknen der Farbe in die Wand eindrangen. Die berühmtesten Beispiele für Freskomalerei sind Michelangelos „Genesis“ und „Jüngstes Gericht“, die die Wände und die Decke der Sixtinischen Kapelle bedecken.

3. Tempera

Anstatt Bienenwachs als Bindemittel zu verwenden, benutzten die Künstler in der Temperamalerei eine Mischung aus Wasser und Eigelb. Sie mussten die Oberfläche vorbereiten, bevor sie die Temperafarbe in mehreren dünnen, durchsichtigen Schichten auftragen konnten. Obwohl die Temperamalerei nicht die Farbtiefe der Ölmalerei erreichen kann, bietet sie dennoch zahlreiche Vorteile, die dazu geführt haben, dass sich diese Malmethode über Jahrhunderte gehalten hat. Einer der Hauptvorteile der Temperamalerei ist die Langlebigkeit. Temperamalereien bleiben für lange Zeit farbfrisch, im Gegensatz zu Ölgemälden, die mit der Zeit dunkler werden und deren Farben langsam verblassen. Tempera war ein dominierendes Medium in der mittelalterlichen Kunst, das für Ikonen oder die Illustration der religiösen Bücher, die als illuminierte Manuskripte bekannt sind, verwendet wurde.

Der Niedergang der Temperamalerei begann mit dem Aufkommen der Ölmalerei, die den Kunstwerken eine neue Ausdrucksqualität verlieh. Flämische Maler waren die ersten, die die Temperamalerei zugunsten von Ölfarben aufgaben, und dann folgten die italienischen Renaissancekünstler.

4. Ölmalerei

Die Ölmalerei verwendete Lein-, Mohn- und Walnussöl als Trocken- und Bindemittel. Sie kam im 16. Jahrhundert auf, als zahlreiche Künstler sie als dominierendes Kunstmedium aufnahmen. Die Ölmalerei wurde zu einem weit verbreiteten Malmedium aufgrund der Reichhaltigkeit der Farben und der glänzenden Oberflächen, die Tempera nicht bieten konnte. Es erleichterte auch die Arbeit an feinen Details, indem es die Sfumato-Technik ermöglichte. Sfumato ist ein feines Mischen von Farben, um einen „rauchigen“ Effekt zu erzielen. Leonardo Da Vinci wandte diese Technik beim Malen der zeitlosen Mona Lisa an.

Neben Sfumato waren Ölfarben auch perfekt für „Impasto“ (Auftragen von unverdünnten Farben in dicken Schichten, um den Eindruck eines Reliefs zu erzeugen). Künstler liebten die Impasto-Technik wegen ihrer zahlreichen Vorteile. Erstens reflektierte das Licht unterschiedlich auf der Oberfläche des Gemäldes, was ihm eine spezifische gebrochene Texturqualität verlieh. Zweitens gab die aufgeworfene Oberfläche den Gemälden ein dreidimensionales Gefühl. Und schließlich ermöglichte dieser fesselnde Look der dicken Schichtung expressionistischen Künstlern wie Van Gogh, ihre Gedanken und Emotionen genau auf die Leinwand zu übertragen.

Einige andere berühmte Künstler, die die Impasto-Technik verwendeten, waren Jackson Pollock, seine Frau Lee Krasner und Willem De Kooning aus der Ära des Abstrakten Expressionismus. Wir können auch impressionistische Maler, wie Cézanne, Monet, Degas und viele andere, dazu zählen.

5. Aquarelle

Wie der Name schon sagt, handelt es sich hierbei um wasserlösliche Farben mit einem eingearbeiteten Bindemittel. Die Verwendung von Aquarellfarben erfordert exzellente künstlerische Fähigkeiten, denn einmal auf dem Papier aufgetragen, gibt es keinen Raum mehr für Korrekturen. Der Vorteil von Aquarellbildern ist, dass sie schnell trocknen und sich hervorragend zum Hinzufügen feiner Details eignen. Obwohl viele Aquarellfarben nur mit Papier in Verbindung bringen, können Sie sie auch auf Stein, Leinwand, Holz oder Stoff verwenden.

Der große Nachteil dieses künstlerischen Mediums ist jedoch, dass die Farben verblassen, wenn sie einige Zeit dem Licht ausgesetzt sind. Verschiedene Aquarelltechniken, auch bekannt als Schriftrollenmalerei und Tuschewaschmalerei, waren über Jahrtausende Teil der chinesischen und japanischen Kunsttradition. Auf der anderen Seite verwendeten westliche Künstler Aquarelle für vorbereitende Skizzen bis zum 18. Jahrhundert, als viele Maler entdeckten, dass sie perfekt für die Landschaftsmalerei geeignet sind.

Je älter die Malerei als Kunstform wird, desto schwieriger wird es, sie zu beschreiben. Ist ein Gemälde, das gleichzeitig auch ein Video ist, immer noch ein Gemälde? Was ist ein Gemälde, das auch ein Druck ist? Was ist mit einem Gemälde, das eine Collage, ein Cartoon, Graffiti oder eine andere Form der Illustration ist? Künstler haben seit langem Objekte in Gemälde auf Leinwand integriert, aber wie sollten wir ein Werk nennen, wenn keine Farbe oder Leinwand beteiligt ist? Ist ein Gemälde, das nur aus Stoff oder Spachtelmasse besteht, immer noch ein Gemälde? Und was für ein Gemälde nimmt nicht nur eine ganze Wand, sondern den Raum eines ganzen Zimmers ein?

Früher war es so einfach: Ein Gemälde war das vermittelte Ergebnis des Auftragens von nasser Farbe durch einen Künstler auf eine flache Oberfläche. Jetzt nicht mehr. Die Malerei hat Hoch- und Niederkultur in sich aufgesogen und zeigt sich in mediengemischten Assemblagen, die sowohl organische als auch synthetische Materialien enthalten und gelegentlich Fotografie und Digitaldruck einbeziehen. Sie hat Anleihen bei kommerzieller Illustration und architektonischem, Tattoo- und Textildesign gemacht und sich als Skulptur oder in verschiedenen Kombinationen aus all dem gezeigt, sowohl in Abstraktion als auch in Repräsentation. An diesem Punkt scheinen selbst diese Unterscheidungen altmodisch.

Wir leben im Zeitalter des Hybriden, des Crossovers, des vielschichtigen Dings, einer Zeit, in der die kombinierte Kraft der neuen Medien, des postmodernen Denkens und der menschlichen Geschichte es den Künstlern unmöglich gemacht hat, einen einzigen Gott der Malerei zu verehren. In der Tat verdankt die Praxis dieser alten Kunst ihre anhaltende Gesundheit vielleicht ihrer erstaunlich elastischen Natur.

So beruhigend das auch sein mag, es erschwert nur die Versuche, genau zu bestimmen, was wir heute als Malerei identifizieren. Für einen Künstler wie Pat Steir ist ein Gemälde einfach etwas, das „mit Farbe zu tun hat“. Steir ist wahrscheinlich am besten für ihre großformatigen abstrakten Leinwände bekannt, die kaskadenartige Wasserfälle suggerieren, die jeweils die Folge eines kalkulierten Systems aus Pinseln, Tropfen und Farbspritzern sind. „Natürlich“, bemerkt sie, „kann man ein Gemälde auch mit einem Bleistift machen, wie Cy Twombly es getan hat. Dann gibt es die Urinbilder von Warhol. Bedeutet das, dass das Bild das Gemälde ist? Nein“, erklärt sie, „denn wir haben Ellsworth Kelly, wo das Bild eine Farbe ist, oder Christopher Wool, wo das Bild ein Wort ist.“

Selbst Robert Storr – Professor am Institute of Fine Arts der New York University und Kurator der Venedig-Biennale 2007 – stolpert über seine Definition. „Ein Gemälde muss aus Farbe oder farbähnlichen Materialien bestehen“, sagt Storr, der selbst Künstler ist. „Aber dann denke ich an einen Fotografen wie Jeff Wall, der Bilder macht, die wie Historienbilder aussehen. Oder Sigmar Polke, der den chemischen Prozess in der Fotografie auf ähnliche Weise manipuliert wie ein Maler, aber das Ergebnis ist ein gedrucktes Objekt.“ Storr erinnert daran, dass Robert Rauschenberg einst Gemälde aus Dreck herstellte, und schließt: „Es sind sowohl die bildnerischen Konventionen als auch die materiellen Eigenschaften eines Objekts, die es zu einem Gemälde machen. Für eine wachsende Zahl von Künstlern ist gerade das Spiel mit der Dehnung von Definitionen die Substanz des Werks.“

Rauschenberg mag der Schutzpatron der hybriden Form sein. Für seinen Anspruch, in der „Lücke zwischen Kunst und Leben“ zu agieren, ist er heute ebenso berühmt wie für seine Combine-Arbeiten, in denen er die Kluft zwischen Malerei und Objekt überbrückt. Letzten Dezember stellte Pace-Wildenstein seine „Scenarios“ aus, eine Reihe von totemhaften, 7 mal 10 Fuß großen Gemälden mit vage thematischen fotografischen Bildern, die auf eine gipsähnliche Oberfläche übertragen wurden, um Fresken zu ähneln. Jedes trug klare Bezüge zu seiner eigenen Bildgeschichte. Key West Rooster (2004) zum Beispiel erinnerte an die Siebdruck-Zeitungsübertragungen des Künstlers aus den frühen 1960er Jahren. Es stellte eine offensichtliche Verbindung zu Odalisk (1955-58) her, dem kategoriensprengenden Combine, bei dem er einen ausgestopften Hahn auf einer mit Farbe beschmierten Holzkiste platzierte, die mit getrocknetem Gras, Fotografien, Zeitungspapier und elektrischen Lichtern bedeckt war, und das Ganze auf einem Kissen auf einer niedrigen, rollenden Plattform festpfählte. (Ende dieses Jahres, anlässlich von Rauschenbergs 80. Geburtstag, wird das Metropolitan Museum of Art eine Retrospektive der Combines zeigen, die in das Museum of Contemporary Art, Los Angeles, dem Organisator der Ausstellung, und später in Museen in Stockholm und Paris wandern wird). Wie Steir sagt: „Rauschenberg hat einen Weg gefunden, die Bedeutung der Malerei zu dehnen, und sie hat sich seitdem immer weiter gedehnt.“

Für den in Brooklyn lebenden Künstler James Esber sind „Gemälde einzigartige Objekte mit einer starken physischen Präsenz, die auch in gewisser Weise illusionistisch sind.“ Esber „malt“ mit Plastilin, einer pigmentierten Modelliermasse, die im Flachrelief an der Wand haftet und nie wirklich trocknet. Das macht seine verzerrten, auf Fotos basierenden Bilder anfällig für weitere Veränderungen durch Schwerkraft oder Berührung, sei es zufällig oder absichtlich. Es verleiht seiner Kunst auch den Charakter einer Skulptur und platziert sie in jenem Mittelfeld, in dem die gemalten Konstruktionen etablierter Meister wie Elizabeth Murray und Frank

Im Laufe der Geschichte hat sich die Art und Weise, wie Künstler gemalt haben – und die von ihnen verwendeten Medien – weiterentwickelt. Neue Technologien und wechselnde Geschmäcker bedeuten, dass sich die von Künstlern verwendeten Farben immer weiter diversifiziert haben. Aber woher wissen Sie, welche Art von Farbe für Sie die richtige ist? Viele von uns sind mit Aquarell-, Öl- und Acrylfarben vertraut, aber es gibt noch so viel mehr, was Künstler erforschen können.

Während einige Arten der Malerei, wie Fresko und Tempera, nicht mehr so häufig praktiziert werden, erleben andere eine Wiederbelebung. Zum Beispiel hat ein erneuertes Interesse an Handlettering und Schildermalerei die Emaillefarbe trendiger denn je gemacht.

Wie können Sie als Künstler die richtige Farbe für Ihr Kunstwerk auswählen? Ein gutes Verständnis für die Eigenschaften der einzelnen Farben und die Ästhetik, die sie bieten, wird Ihnen helfen, Ihre Auswahl einzugrenzen. Einige Maltechniken sind für Künstler aller Niveaus leicht zu erlernen, während andere fortgeschrittenere technische Fähigkeiten erfordern.

Lernen Sie mehr über die verschiedenen Arten von Farben, um herauszufinden, was für Sie am besten funktioniert. Wer weiß? Vielleicht werden Sie ja inspiriert, eine neue Art der Malerei auszuprobieren.

Typischerweise auf Papier gemalt, werden Aquarelle aus Pigmenten hergestellt, die in einer Lösung auf Wasserbasis suspendiert sind. Bekannt für die transparenten Schichten, die sie erzeugen, bleibt Aquarellfarbe auch nach dem Trocknen löslich. Das bedeutet, dass Künstler einige Korrekturen vornehmen können, auch wenn das Bild trocken ist, aber das bedeutet auch, dass die fertige Arbeit sorgfältig geschützt werden muss. Es gibt viele Aquarelltechniken, die Künstler verwenden, um verschiedene Kunststile zu schaffen, von realistischen Porträts bis hin zu verwaschenen Landschaften. Obwohl Papier die häufigste Unterlage ist, können Aquarelle auch auf Oberflächen wie Stoff, Holz, Leder und Pergament verwendet werden.

GOUACHE
Gouache ist der Aquarellfarbe insofern ähnlich, als dass sie wieder befeuchtet werden kann, doch trocknet diese Art von Farbe matt und ist aufgrund der enthaltenen Kreide schwerer. Gouache hat auch ähnliche Eigenschaften wie Acryl, da es eine deckende Farbe ist. Sie wird oft zusammen mit Aquarellfarben verwendet, und da sie wasserlöslich ist, benötigt sie einen Firnis, um das fertige Bild zu versiegeln. Eine neuere Variante ist die Acryl-Gouache, bei der ein Bindemittel auf Acrylbasis verwendet wird, das die Farbe nach dem Trocknen wasserfest werden lässt.

PASTEL
Manchmal auch als „Trockenmalerei“ bekannt, ist die Verwendung von Pastellfarben seit dem 16. Jahrhundert beliebt. Ihre Stiftform und die fehlende Trocknungszeit machen sie zu einer einfachen und tragbaren Lösung für Künstler. Die populärsten Pastelle – bekannt als weiche Pastelle – enthalten Kreide, aber es gibt auch Ölpastelle mit einer wachsartigen Konsistenz. Die Farben werden in der Regel direkt auf die Unterlage gemischt, und wenn Sie einen aquarellartigen Effekt erzielen möchten, gibt es auch wasserlösliche Pastelle. Diese Gemälde sind zerbrechlich, da sich das Pigment von der Oberfläche abheben kann, daher sollten sie unter Glas gerahmt werden.

ENCAUSTIC
Diese komplexe Technik geht auf das alte Ägypten zurück und beinhaltet die Zugabe von Pigmenten zu heißem Bienenwachs. Die resultierende Paste wird dann typischerweise auf vorbereitetes Holz aufgetragen, obwohl auch Leinwand verwendet werden kann. Mit speziellen Werkzeugen wird die Flüssigkeit dann vor dem Abkühlen geformt und modelliert. Zeitgenössische Künstler verwenden oft Heißluftpistolen, um die Verarbeitbarkeit der Farbe zu verlängern. Obwohl Enkaustik – oder Heißwachsmalerei – schwierig zu meistern ist, ist es möglich, komplexe Gemälde voller Dimension und Farbe zu schaffen.

In der Kunst beschreibt der Begriff Malerei sowohl den Akt des Malens (das Auftragen der Farbe mit einem Pinsel oder einem anderen Hilfsmittel wie Spachtel, Schwamm oder Airbrush) als auch das Ergebnis der Aktion – das Bild als Objekt.

Der Beginn der Malerei

Das, was wir als Kunst in all ihren Formen bezeichnen – Malerei, Skulptur, Zeichnung und Gravur – erschien bei menschlichen Gruppen auf der ganzen Welt in der Periode, die als Oberpaläolithikum bekannt ist, also vor etwa 40.000 bis 10.000 Jahren. In Europa wurden ausgefeilte und kraftvolle Malereien aus dieser Zeit in Höhlen wie Lascaux in Frankreich entdeckt. Im Jahr 1994 wurden möglicherweise noch erstaunlichere Werke in der Chauvet-Höhle im Ardèche-Tal, ebenfalls in Frankreich, gefunden. Höhlenmalereien bestehen aus Pigmenten wie farbigen Erden, die auf den Fels gerieben wurden. In einigen Fällen scheinen sie zuvor zu einer Paste vermischt worden zu sein. Die Malereien stellen meist Tiere dar, aber es gibt auch einige menschliche Darstellungen.

Seitdem hat sich die Malerei im Wesentlichen nur wenig verändert. Die Träger entwickelten sich von Felswänden über Gebäudewände zu tragbaren aus Papier, Holz und schließlich Stoff, insbesondere Leinwand. Die Palette der Pigmente erweiterte sich durch eine breite Palette von Erden und Mineralien, bis hin zu Pflanzenextrakten und modernen synthetischen Farben. Pigmente wurden mit Wasser und Gummi gemischt, um eine Farbe herzustellen, aber im fünfzehnten Jahrhundert wurde in Europa durch die Innovation der Verwendung von Öl (Leinsamen) ein neuartiges, flexibles und haltbares Medium geschaffen, das eine wichtige Rolle bei der Explosion der Kreativität in der westlichen Malerei in der Renaissance und danach spielte. Gleichzeitig weitete sich die Thematik auf fast alle Aspekte des Lebens aus (Genres).

Im Jahr 1890 sagte der französische Maler Maurice Denis, dass „ein Gemälde – bevor es ein Haudegen, eine nackte Frau oder irgendeine Geschichte ist – im Wesentlichen eine flache Oberfläche ist, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet sind.“ Doch so ansprechend diese einfache Definition auch ist, über ein Jahrhundert später ist die Debatte darüber, was ein Gemälde ausmacht, hitziger denn je. Immer wieder tauchen Gemälde als Prestigemedium für bildende Künstler auf und erzielen bei Auktionen astronomische Summen, mit denen nur wenige Skulpturen mithalten können, ganz zu schweigen von den bescheidenen Zeichnungen oder Drucken. Doch in einer zunehmend globalisierten Kunstwelt, die von grenzüberschreitenden und interdisziplinären künstlerischen Praktiken geprägt ist, ist die feine Linie zwischen Malerei und verwandten Medien nicht immer leicht zu erkennen.

Als eine der frühesten bekannten künstlerischen Ausdrucksformen wurde die Malerei von Menschen auf der ganzen Welt seit Jahrtausenden praktiziert, mit Beweisen in Form von gebrauchtem Ocker, der in Höhlen im Arnhem Land, Nordaustralien, gefunden wurde und die Praxis auf mindestens 60.000 Jahre vor heute datiert. Noch berühmter sind die Höhlenmalereien der Grotte Chauvet in Südfrankreich, die aus Darstellungen von Nashörnern, Löwen, Büffeln und Mammuts bestehen, die in Schwarz und Ocker gehalten sind. Und doch, so ikonisch diese Bilder auch sind, ist es alles andere als klar, dass sie überhaupt den heutigen Kriterien von Malerei entsprechen würden…

In der Tat hat sich der Begriff Malerei während eines Großteils der westlichen Kunstgeschichte fast ausschließlich auf Ölgemälde auf Leinwand oder Holztafeln bezogen, wobei Werke auf Papier oder anderen Trägern meist als Zeichnungen klassifiziert wurden, unabhängig vom verwendeten Medium. Nach dieser Definition wurden Tuschemalereien und Aquarelle mit Zeichnungen gruppiert, eine Klassifizierung, die in manchen Kreisen auch heute noch verwendet wird. Besucher der jüngsten Drawing Now-Messe in Paris waren zum Beispiel überrascht, dass neben den traditionellen „Zeichnungen“ auch eine Reihe von gemalten Werken, oft Aquarelle, ausgestellt wurden. Obwohl die Messe, wie der Name schon sagt, ausschließlich dem Medium Zeichnung gewidmet war, haben sich die Organisatoren dafür entschieden, jede Arbeit auf Papier als Zeichnung zu definieren.

Im Gegensatz dazu wird die traditionelle östliche Malerei normalerweise auf Papier oder Seide und nicht auf Leinwand ausgeführt. Als eine der ältesten kontinuierlichen künstlerischen Traditionen der Welt ist die traditionelle chinesische Malerei, bekannt als guóhuà, eher mit der Kunst der Kalligraphie als mit der westlichen Malerei verwandt. Die Künstler tragen schwarze oder farbige Tinte mit einem Pinsel auf einen Papier- oder Seidenträger auf. Und doch wäre es in einer zunehmend globalisierten Kunstwelt eine unnötig westlich geprägte Sichtweise auf das Medium, wenn man solche Werke aufgrund der Verwendung von Papier oder Seide aus der Kategorie der Malerei ausschließen würde, da sie eine so reiche Geschichte und Tradition haben.

Anstatt sich auf den Bildträger zu konzentrieren, definieren andere ein Gemälde über das verwendete Medium. In der Tat werden die meisten Kunstwerke, die gemeinhin als Gemälde klassifiziert werden, mit Pigmenten geschaffen, die in einer Flüssigkeit suspendiert sind, sei es Öl, Wasser, Acryl oder eine Mischung aus Lösungsmitteln, wie im Fall von Tinte. Nach dieser Definition ist also alles, was Arbeiten in Pastell von Gemälden unterscheidet, dass das eine ein Feststoff und das andere eine Flüssigkeit ist, da die Art des verwendeten Pigments in beiden identisch ist.

Was ist ein Gemälde – warum ist diese Frage schwer zu beantworten?

Bevor man jedoch ein Gemälde einfach als jedes Werk definiert, bei dem ein flüssiges, pigmentiertes Medium auf eine Oberfläche aufgetragen wird, gibt es einige bemerkenswerte Ausnahmen, auf die man eingehen sollte. Zum einen gibt es zwar viele Tuschearbeiten, die sich ohne weiteres als Gemälde qualifizieren, doch sollten wir die lange und wichtige Tradition der Tuschezeichnungen nicht vernachlässigen. Obwohl die Grenze zwischen Tuschemalerei und Zeichnung nicht immer eindeutig ist, liegt der Hauptunterschied zwischen den beiden meist in der Verwendung von Linien im Gegensatz zu größeren Farb- oder Tonflächen. Während Tuschemalereien chinesischer Literaten wie Bada Shanren nicht nur Linien, sondern auch mit Tusche verwaschene Flächen aufweisen, bestehen Werke wie van Goghs berühmte Tuschezeichnungen ausschließlich aus Linien, wenn auch sehr gestisch.

Da sich die Künstler jedoch zunehmend von den stilistischen und formalen Zwängen der Vergangenheit lösen, sei es durch die Kombination von grafischen und malerischen Techniken oder, wie im Fall von Künstlern wie Jean Buffet und Anselm Kiefer, durch die Verwendung einer Mischung aus Farbe und anderen Medien, werden feste Kriterien für das, was ein Gemälde ausmacht, immer schwieriger. In der Tat ist die Grenze zwischen Malerei und anderen Formen der bildenden Kunst angesichts der vielen Faktoren, die es zu berücksichtigen gilt – vom Bildträger bis zu den verwendeten Medien, der Technik oder dem Stil -, weniger klar als je zuvor, so dass die Maler von heute vor einer leeren Leinwand stehen und die Möglichkeit haben, ein uraltes Medium neu zu erfinden.