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The movement toward national expression

Eine dritte Gruppe, vor allem Nationalisten, die sowohl gegen die germanische Vorherrschaft in der Instrumentalmusik reagierten als auch die gesellschaftspolitischen Entwicklungen der Epoche widerspiegelten, kombinierte Merkmale des konservativen und des progressiven Lagers, denen sie nationale Merkmale hinzufügten. Während es in Ländern wie Ungarn, Polen, Spanien und England Manifestationen der Bewegung gab, waren die produktivsten und herausragendsten unter denen, die versuchten, nationale Besonderheiten zu reflektieren, die russischen „Fünf“ – César Cui, Mily Balakirev, Aleksandr Borodin, Modest Mussorgsky und Nikolay Rimsky-Korsakov -, die Böhmen Bedřich Smetana und Antonín Dvořák sowie die Skandinavier Edvard Grieg, Carl Nielsen und Jean Sibelius. Französische Komponisten wie Camille Saint-Saëns, César Franck und Vincent d’Indy waren vom gleichen Unabhängigkeitsimpuls motiviert, aber man kann sie kaum als Nationalisten im gleichen Sinne bezeichnen wie ihre osteuropäischen Kollegen, da es weniger ausgeprägtes volkstümliches Material gab, aus dem man farbiges Material schöpfen konnte, und da sie sich die ganze Zeit über im Mainstream der musikalischen Entwicklung befunden hatten.

Klaviermusik

Eines der beliebtesten Medien der Romantik war, dank der rasanten technischen Entwicklung des Instruments, die Klaviermusik. Ein weiterer Grund für die Beliebtheit des Klaviers war das wachsende Bedürfnis nach Erholung und Unterhaltung des neu entstandenen wohlhabenden Bürgertums. Dem Zeitgeschmack entsprechend waren kleine Stücke von ausgeprägtem Ausdruckscharakter (daher „Charakterstücke“) die beliebteste Gattung, entweder als Einzelstücke oder als Teile von zusammengesetzten Werken. Stilisierte Tänze waren weiterhin beliebt, aber nationalistische Typen wie die Polonaise und die Mazurka sowie der neuartige Walzer lösten die behäbigen Menuette der vorherigen Epoche ab. Sonaten beschäftigten weiterhin ernsthafte Komponisten, und Variationsreihen blühten weiter auf. Die Virtuosität des Geigers Niccolò Paganini und seiner Zeitgenossen führte zu vielen Studien oder Etüden, die sowohl die Geschicklichkeit des Interpreten als auch die Erfindungsgabe des Komponisten unter Beweis stellen sollten. Chopin, Schumann, Liszt und Brahms waren die wichtigsten Komponisten von Klaviermusik nach Beethoven, aber praktisch alle Komponisten der Zeit trugen zur Literatur bei.

Lieder

Das vokale Gegenstück zum Charakterstück für Klavier war das Sololied mit Klavierbegleitung. Mit dem Aufkommen der deutschen romantischen Dichtung von Goethe, Schiller, Heine und anderen, etwa zu Beginn des 19. Jahrhunderts, erlebte das deutsche Lied eine Blütezeit. Nach 1850 brachten auch Komponisten anderer Nationen, insbesondere Frankreichs und Russlands, eine Liedliteratur von universeller Anziehungskraft hervor. Ein Pionier und sicherlich der produktivste Liedkomponist war Schubert, der in seinem kurzen Leben mehr als 600 Lieder schrieb. Seine wichtigsten Nachfolger waren, in chronologischer Reihenfolge, Karl Loewe, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Hugo Wolf und Richard Strauss.

Kammer- und Chormusik

Die große Wiener Tradition der Kammermusik erreichte ihren Höhepunkt in den Werken Beethovens und fand mit dem Tod Schuberts ein vorläufiges Ende. Die Prägnanz, Einheit und Ausgewogenheit, die dem klassischen Ideal zugrunde lagen, waren mit dem Wesen der musikalischen Romantik unvereinbar. Wenn er für Instrumente schrieb, neigte der typische romantische Komponist zu den koloristischen Effekten und Ausdrucksmöglichkeiten des Orchesters. Natürlich wurde weiterhin Kammermusik geschrieben und aufgeführt, aber nirgends gehörte sie zu den Hauptinteressen der Komponisten, wie es im 18. Jahrhundert der Fall gewesen war. Wie zu erwarten, waren die konservativeren Komponisten wie Mendelssohn, Schumann und Brahms die Hauptkomponisten von Kammermusik.

Während das gleiche musikalische Vokabular und der gleiche Stil seit dem Aufkommen der dramatischen Musik sowohl der Kirche als auch dem Opernhaus gedient hatten, kam es im 19. Jahrhundert zu einer Trennung der musikalischen Idiome je nach Funktion – sakral oder weltlich. Musik für den kirchlichen Gebrauch war im Allgemeinen konservativ, besonders nach der „Wiederentdeckung“ Palestrinas und der systematischen Erforschung der Reform des gregorianischen Gesangs. Andererseits wurden in den Kantaten und populären Stücken, die für die vielen Amateur-Chorgesellschaften produziert wurden, so viele der neuen Techniken eingebaut, wie die Sänger bewältigen konnten. In Oratorien und in Vertonungen liturgischer Texte für den Konzertsaal oder für besondere Anlässe kam es zu einer gewissen Verschmelzung der beiden Idiome. Die Requiem-Messe mit ihrem lebendigen, dramatischen Inhalt war für die Komponisten der Romantik attraktiv, und die Vertonungen von Berlioz und Verdi sind auch heute noch genauso gefühlsbetont wie die meisten Opern dieser Zeit.

Die fünf Elemente der Musik

In diesem Artikel erklärt der leitende Pädagoge Adam White die fünf musikalischen Elemente eines Songs genauer.

Im letzten Video haben Sie gehört, wie eine Band die Hauptbestandteile oder „Elemente“ aufbaut, aus denen die verschiedenen Schichten von Zeit, Tonhöhe und Textur in einem Musikstück bestehen. In diesem Artikel werden wir uns diese Elemente genauer ansehen und sie etwas ausführlicher erklären.

Wir empfehlen Ihnen, einige Zeit auf diesen Aspekt des Kurses zu verwenden, da er Ihr Verständnis und Ihre Wertschätzung der Ideen, die in den kommenden Wochen erforscht werden, erheblich fördern wird.

Die theoretischen Komponenten der Musik mögen bei der ersten Begegnung mit ihnen übermäßig technisch und schwer zu begreifen erscheinen, aber sie können auf verschiedene Weise „verstanden“ werden. Wenn wir zum Beispiel ein Lied singen oder Akkorde auf der Gitarre spielen, demonstrieren wir damit ein gewisses Verständnis der Konzepte von Melodie und Harmonie. Man kann sich das so vorstellen, als ob wir „wüssten“, wie man einen Ball wirft und fängt; wir verstehen vielleicht nicht die Physik oder Mathematik der Projektilbewegung und des Luftwiderstands, aber wir haben eine Vorstellung davon, wie sich ein Ball wahrscheinlich durch die Luft bewegt – oft durch Erfahrung und Ausprobieren aufgebaut.
Unser Wissen über Musik mag nicht vollständig sein, aber es ist die Grundlage für die Art und Weise, wie wir uns einen Reim auf diese Elemente machen können.

Melodie

Wir könnten die Melodie als das wichtigste Element innerhalb eines Liedes betrachten. In der Alltagssprache ist dies das Element, das wir „die Melodie“ nennen. Technisch gesehen ist die Melodie jedoch eine Reihe von Tonhöhen oder Noten, die so angeordnet sind, dass sie eine Form oder ein Muster bilden. Jede einzelne Note erhält eine Länge, die durch den Rhythmus der Melodie bestimmt wird, so dass wir uns die Melodie als „Tonhöhe plus Zeit“ vorstellen können.

Darüber hinaus können wir feststellen, dass eine Melodie eine Reihe von verschiedenen Merkmalen hat, die wir als Phrase, Kontur und Intervall bezeichnen werden. Wir werden uns in Woche 2 ausführlicher mit diesen Aspekten der Melodie befassen, aber für den Moment sollten Sie nur die Art und Weise beobachten, wie die Melodie Bewegung (durch die Tatsache, dass die Tonhöhen unterschiedlich lang sind) und Form hat, weil sich die Noten buchstäblich auf und ab bewegen, während die Melodie fortschreitet. In der populären Musik singt der Sänger in der Band normalerweise die Hauptmelodie, während die anderen Interpreten eine Begleitung spielen, die den Sänger ergänzt.

Harmonie

Dieses Element der Musik entsteht, wenn Tonhöhen vertikal kombiniert werden, normalerweise in Gruppen von drei Noten. Die gängigen Begriffe sind Akkord oder Dreiklang. Akkorde werden verwendet, um eine Melodie zu harmonisieren – sie liefern begleitende Noten, die mit der Melodie verschmelzen und sie unterstützen. Die Noten eines Akkords werden durch die Kombination von Noten gebildet. Wir werden dieses Thema in Woche 4 genauer untersuchen, also hören Sie sich erst einmal an, wie die Tonhöhe in diesem Stück zwischen der von Nat Johnson gesungenen Melodie und den auf der Gitarre und dem Kontrabass gespielten Noten zur Begleitung der Stimme aufgeteilt ist.

Taste

Eine Tonart ist eine Möglichkeit, Tonhöhen in „Familien“ zu gruppieren – man kann sagen, dass alle Noten innerhalb einer bestimmten Tonart etwas Wichtiges gemeinsam haben. So stammen die Tonhöhen des Songs Green Rocky Road alle aus der gleichen Tonleiter, der von C-Dur. Eine Tonleiter ist eine Reihe von Tönen, bei denen die erste und die letzte Stufe normalerweise gleich sind und die nach einem bestimmten Muster angeordnet sind.

Tonleitern entstehen, wenn die erste Stufe (Tonika) und die fünfte Stufe (Dominante) auf eine Weise verwendet werden, die den Tonhöhenelementen der Musik Struktur und in gewissem Maße „Bedeutung“ verleiht. In diesem Kurs werden wir uns nur auf Dur- und Moll-Tonarten konzentrieren und in gewissem Maße auch auf die Modi, die mit ihnen verbunden sind. Dieses Thema wird später in dieser Woche und in Woche 4 im Detail behandelt, also machen Sie sich nicht zu viele Sorgen, wenn diese Ideen zu diesem Zeitpunkt recht komplex klingen. In unserem Lied wird das Gefühl für die Tonart durch die auf der Gitarre und dem Kontrabass gespielten Noten und durch die von Nat gesungenen Noten erzeugt.

Metrum

Dieses Element gibt uns eine Möglichkeit, eine der Arten zu verstehen, wie die Zeit in der Musik organisiert ist. Das Metrum eines Stücks wird durch regelmäßig wiederkehrende „Pulse“ oder „Beats“ erzeugt, die in Wirklichkeit akzentuierte Zeiteinheiten sind. In diesem Lied ist das Metrum also 4/4 und wird durch einen starken Akzent auf dem ersten von vier Schlägen mit milderen Akzenten auf den Schlägen zwei, drei und vier erzeugt. Im Laufe des Liedes bekommen wir ein Gefühl für die Regelmäßigkeit der Beats (wir klopfen mit dem Fuß darauf) und es untermauert und organisiert das Zeitelement innerhalb des Liedes.

Rhythmus

Dieser Begriff wird uns allen bekannt sein – Rhythmus beschreibt die Art und Weise, wie die Zeit in der Musik angewendet wird. In diesem Fall haben die Noten der Melodie einen Rhythmus, da sie unterschiedlich lang sind. Viertelnoten dauern z. B. einen Schlag lang, Achtelnoten einen halben Schlag lang. Alle Teile der Band – instrumental und gesanglich – erzeugen den Rhythmus dieses Songs.

Musik: Grundlagen und pädagogische Wurzeln in den USA.

Kapitelzusammenfassung: Die erste Hälfte dieses Kapitels versucht, Musik als Fach zu definieren und bietet Perspektiven auf Musik, einschließlich des Grundvokabulars und was Sie über Musik wissen sollten, um sie in Ihre Arbeit mit Kindern einzubeziehen. Die zweite Hälfte gibt einen kurzen Überblick über die Musikerziehung und den Musikunterricht in den USA, der die fachliche Grundlage für das Buch bildet.

I. Die Definition von Musik

„Musik“ ist einer der am schwierigsten zu definierenden Begriffe, teilweise deshalb, weil sich die Vorstellungen über Musik allein in der westlichen Kultur im Laufe der Zeit dramatisch verändert haben. Wenn wir uns die Musik in verschiedenen Teilen der Welt ansehen, finden wir noch mehr Variationen und Vorstellungen darüber, was Musik ist. Die Definitionen reichen von praktisch und theoretisch (die Griechen zum Beispiel definierten Musik als „Töne, die horizontal als Melodie und vertikal als Harmonie geordnet sind“) bis hin zu ganz philosophisch (nach dem Philosophen Jacques Attali ist Musik ein klangliches Ereignis zwischen Geräusch und Stille, und nach Heidegger ist Musik etwas, in dem sich die Wahrheit selbst an die Arbeit gemacht hat). Es gibt auch die sozialen Aspekte der Musik zu berücksichtigen. Der Musikwissenschaftler Charles Seeger stellt fest: „Musik ist ein Kommunikationssystem mit strukturierten Klängen, die von Mitgliedern einer Gemeinschaft produziert werden, die mit anderen Mitgliedern kommunizieren“ (1992, S.89). Der Ethnomusikologe John Blacking erklärt, dass „wir noch weiter gehen und sagen können, dass Musik Klang ist, der menschlich gemustert oder organisiert ist“ (1973), womit er alle Grundlagen mit einem sehr breiten Strich abdeckt. Einige Theoretiker glauben sogar, dass es keine universelle Definition von Musik geben kann, weil sie so kulturspezifisch ist.

Auch wenn wir es uns nur schwer vorstellen können, haben viele Kulturen, wie z. B. die in den Ländern Afrikas oder bei einigen indigenen Gruppen, kein Wort für Musik. Stattdessen ist die Beziehung von Musik und Tanz zum alltäglichen Leben so eng, dass die Menschen kein Bedürfnis haben, begrifflich zwischen beiden zu trennen. Nach dem Musikethnologen Bruno Nettl (2001) gibt es in einigen nordamerikanischen Indianersprachen kein Wort für „Musik“ im Unterschied zum Wort „Gesang“. Auch Flötenmelodien werden als „Lieder“ bezeichnet. Das Hausa-Volk in Nigeria hat ein außerordentlich reiches Vokabular für den Diskurs über Musik, aber kein einziges Wort für Musik. Die Basongye in Zaire haben eine breite Vorstellung davon, was Musik ist, aber keinen entsprechenden Begriff. Für die Basongye ist Musik ein rein und spezifisch menschliches Produkt. Für sie singt man, wenn man zufrieden ist, und wenn man wütend ist, macht man Lärm (2001). Das Volk der Kpelle in Liberia hat ein Wort, „sang“, um eine Bewegung zu beschreiben, die gut getanzt wird (Stone, 1998, S. 7). Einige Kulturen bevorzugen bestimmte Aspekte der Musik. Die klassische indische Musik zum Beispiel enthält keine Harmonie, sondern nur die drei Strukturen einer Melodie, eines Rhythmus und eines Borduns. Allerdings machen indische Musiker den Mangel an Harmonie durch komplexe Melodien und Rhythmen, die im Westen nicht möglich sind, mehr als wett, da sie Harmonien (Akkordfolgen) enthalten, die weniger komplexe Melodien und Rhythmen erfordern.

Was wir im Westen als Musik hören, mag für andere keine Musik sein. Wenn wir z.B. den Koran vorgetragen hören, kann es wie Gesang und Musik klingen. Wir hören all die „Teile“, die wir für Musik halten – Rhythmus, Tonhöhe, Melodie, Form usw. Das muslimische Verständnis dieses Klangs ist jedoch, dass es sich eher um erhöhte Sprache oder Rezitation als um Musik handelt und in eine eigene Kategorie gehört. Die philosophische Begründung dafür ist komplex: In der muslimischen Tradition wird die Idee von Musik als Unterhaltung als entwürdigend angesehen; daher kann der heilige Koran nicht als Musik bezeichnet werden.

Musik funktioniert vor allem in Klang und Zeit. Sie ist ein klangliches Ereignis – eine Kommunikation, genau wie Sprache, die von uns verlangt, zuzuhören, zu verarbeiten und zu reagieren. Zu diesem Zweck ist sie Teil eines Kontinuums, wie wir alle Klänge hören, einschließlich Lärm, Sprache und Stille. Wo sind die Grenzen zwischen Geräuschen und Musik? Zwischen Geräuschen und Sprache? Wie fordert manche Musik, wie z. B. Rap, unsere ursprünglichen Vorstellungen von Sprache und Musik heraus, indem sie Sprache als Teil der Musik integriert? Wie stellen einige Kompositionen wie John Cages 4’33“ unsere Vorstellungen von künstlerischer Absicht, Musik und Stille in Frage?

Musik im Christentum

Ein Großteil der platonisch-aristotelischen Lehre, wie sie vom römischen Philosophen Boethius (ca. 480-524) neu formuliert wurde, passte gut zu den Bedürfnissen der Kirche; die konservativen Aspekte dieser Philosophie mit ihrer Angst vor Neuerungen waren der Aufrechterhaltung der Ordnung förderlich. Die Rolle der Musik als Hilfsmittel zum Wort wird nirgendwo deutlicher als in der Geschichte des Christentums, wo der Vorrang des Textes immer betont und manchmal, wie in der römisch-katholischen Lehre, zu einem Glaubensartikel gemacht wurde. In den Spielarten des Klagelieds diente die Melodie der Textausleuchtung; die Klanggestaltungen orientierten sich an den Worten. Der heilige Augustinus (354-430 n. Chr.), der sich von der Musik angezogen fühlte und ihren Nutzen für die Religion schätzte, fürchtete sich vor ihrem sinnlichen Element und war darauf bedacht, dass die Melodie niemals Vorrang vor den Worten hatte. Dies waren auch Platons Bedenken gewesen. Noch in Anlehnung an die Griechen hielt Augustinus, dessen Überzeugungen vom heiligen Thomas von Aquin (ca. 1225-74) wiederholt wurden, die Grundlage der Musik für mathematisch; Musik spiegelt himmlische Bewegung und Ordnung wider.

Martin Luther (1483-1546) war ein musikalischer Liberaler und Reformator. Aber die Verwendungszwecke, die er sich für die Musik vorstellte, lagen trotz seiner Innovationen im Mainstream der Tradition; Luther bestand darauf, dass Musik einfach, direkt und zugänglich sein müsse, eine Hilfe zur Frömmigkeit. Seine Zuweisung von bestimmten Qualitäten zu einem bestimmten Modus erinnert an Plato und Konfuzius. Johannes Calvin (1509-64) vertrat eine vorsichtigere und ängstlichere Auffassung von Musik als Luther, warnte vor wollüstiger, verweichlichter oder unordentlicher Musik und bestand auf der Vorrangstellung des Textes.

Westliche Auffassungen des 17. und 18. Jahrhunderts

Bei der Durchsicht der Darstellungen von Musik, die die Musik- und Geistesgeschichte geprägt haben, wird deutlich, dass die Pythagoräer von Zeitalter zu Zeitalter wiedergeboren werden. Der deutsche Astronom Johannes Kepler (1571-1630) verewigte gewissermaßen die Idee der Sphärenharmonie und versuchte, die Musik mit der Planetenbewegung in Beziehung zu setzen. Auch René Descartes (1596-1650) sah die Grundlage der Musik als mathematisch an. Er war ein treuer Platoniker, als er gemäßigte Rhythmen und einfache Melodien vorschrieb, damit die Musik keine phantasievollen, erregenden und damit unmoralischen Wirkungen hervorrufen würde. Für einen anderen Philosophen und Mathematiker, den Deutschen Gottfried von Leibniz (1646-1716), reflektierte die Musik einen universellen Rhythmus und spiegelte eine Realität wider, die grundlegend mathematisch war und im Verstand als unbewusstes Erfassen von numerischen Beziehungen erlebt werden sollte.

Immanuel Kant (1724-1804) ordnete die Musik in seiner Hierarchie der Künste an unterster Stelle ein. Was er an der Musik am meisten misstraute, war ihre Wortlosigkeit; er hielt sie für nützlich zum Vergnügen, aber vernachlässigbar im Dienste der Kultur. In Verbindung mit der Poesie kann sie jedoch begrifflichen Wert erlangen. Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831) rühmte ebenfalls die diskursiven Fähigkeiten und sagte, dass die Kunst, obwohl sie das Göttliche ausdrückt, der Philosophie weichen muss. Er erkannte die besondere Kraft der Musik an, viele Nuancen der Gefühle auszudrücken. Wie Kant zog Hegel die Vokalmusik der Instrumentalmusik vor und missbilligte die wortlose Musik als subjektiv und unbestimmt. Das Wesen der Musik war für ihn der Rhythmus, der seine Entsprechung im innersten Selbst findet. Das Originelle an Hegels Ansicht ist seine Behauptung, dass Musik im Gegensatz zu den anderen Künsten keine unabhängige Existenz im Raum hat, nicht „objektiv“ in diesem Sinne ist; der grundlegende Rhythmus der Musik (wiederum ein Aspekt der Zahl) wird im Inneren des Hörers erlebt.

Musik

Musik, Kunst, die sich mit der Kombination von vokalen oder instrumentalen Klängen beschäftigt, um die Schönheit der Form oder den emotionalen Ausdruck zu erreichen, in der Regel gemäß den kulturellen Standards von Rhythmus, Melodie und, in der meisten westlichen Musik, Harmonie. Sowohl das einfache Volkslied als auch die komplexe elektronische Komposition gehören zur gleichen Tätigkeit, der Musik. Beide sind von Menschenhand gemacht, beide sind konzeptionell und auditiv, und diese Faktoren waren in der Musik aller Stile und in allen Epochen der Geschichte auf der ganzen Welt vorhanden.

Musik ist eine Kunst, die, in der einen oder anderen Form, jede menschliche Gesellschaft durchdringt. Moderne Musik ist in einer verwirrenden Fülle von Stilen zu hören, viele davon zeitgenössisch, andere in vergangenen Epochen entstanden. Musik ist eine vielseitige Kunst; sie lässt sich leicht mit Worten verbinden, wie im Gesang, und mit körperlicher Bewegung, wie im Tanz. Im Laufe der Geschichte war Musik eine wichtige Ergänzung zu Ritualen und Dramen und ihr wurde die Fähigkeit zugeschrieben, menschliche Gefühle zu reflektieren und zu beeinflussen. Die Populärkultur hat diese Möglichkeiten immer wieder ausgenutzt, am auffälligsten heute durch Radio, Film, Fernsehen, Musiktheater und das Internet. Die Auswirkungen der Verwendung von Musik in der Psychotherapie, der Geriatrie und der Werbung zeugen von dem Glauben an ihre Macht, menschliches Verhalten zu beeinflussen. Veröffentlichungen und Aufnahmen haben die Musik in ihren bedeutendsten wie auch in ihren trivialsten Erscheinungsformen effektiv internationalisiert. Darüber hinaus hat der Musikunterricht in Grund- und weiterführenden Schulen mittlerweile eine nahezu weltweite Akzeptanz erreicht.

Aber die Verbreitung von Musik ist nichts Neues, und ihre menschliche Bedeutung wurde schon oft anerkannt. Was seltsam erscheint, ist, dass trotz der Universalität der Kunst bis in die jüngste Zeit niemand für ihre Notwendigkeit argumentiert hat. Der antike griechische Philosoph Demokrit verneinte ausdrücklich eine grundsätzliche Notwendigkeit der Musik: „Denn nicht die Notwendigkeit hat sie abgesondert, sondern sie ist aus dem vorhandenen Überfluss entstanden.“ Die Ansicht, dass Musik und die anderen Künste bloße Annehmlichkeiten sind, ist immer noch weit verbreitet, obwohl das wachsende psychologische Verständnis von Spiel und anderen symbolischen Aktivitäten begonnen hat, diesen hartnäckigen Glauben zu schwächen.

Die Musik wird in einer Reihe von Artikeln behandelt. Für die Geschichte der Musik in verschiedenen Regionen siehe Afrikanische Musik; Ozeanische Musik und Tanz; Westliche Musik; Zentralasiatische Künste: Musik; Chinesische Musik; Japanische Musik; Koreanische Musik; Islamische Künste; Musik der amerikanischen Ureinwohner; Südasiatische Künste: Musik; und Südostasiatische Künste: Musik. Siehe auch Volksmusik. Aspekte der Musik werden in Kontrapunkt, Harmonie, Instrumentierung, Modus, Musikkritik, Musikkomposition, Musikaufführung, Musikaufnahme, musikalischer Klang, Musiknotation, Rhythmus, Tonleiter sowie Stimmung und Temperament behandelt. Siehe auch Artikel wie Blues, Kammermusik, Chormusik, Konzert, elektronische Musik, Fuge, Jazz, Oper, Rhythm and Blues, Rock, Sinfonie, Sonate, Theatermusik und Vokalmusik. Musikinstrumente werden in den Artikeln Elektronisches Instrument, Tasteninstrument, Schlaginstrument, Saiteninstrument und Blasinstrument behandelt, sowie in separaten Artikeln über einzelne Instrumente wie Klarinette, Trommel, Gitarre, Kayagŭm, Klavier, Tabla und Theremin.